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박 성 진

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박 성 진 (SJ Park)
박성진(SJPark) 작가는 인간을 ‘멀티버스를 살아가는 알고리즘’으로 정의한다. 우리는 고정된 자아가 아니라, 매 순간의 선택에 의해 업데이트되는 동적 구조다. 그의 작업은 이 존재론을 시각적 언어로 번역하는 과정이며, 창작은 생산이 아니라 근원으로의 회귀, 곧 영원(Eternity)을 향한 프로세스다. 20여 년간 기업에서 전략가로 활동했던 그는 어느 순간 ‘회사의 비즈니스 모델’이 아닌 ‘자기 존재 모델’을 설계하기로 결단한다. 이 전환은 감정적 탈주가 아니라 구조적 재설계였다. 드리프트(Drift)된 삶의 궤도에서 벗어나 재조정(Recalibration)을 거쳐, 새로운 상태의 출현(Emergence)으로 이동하는 알고리즘적 변환. 붓을 든 순간은 직업의 변경이 아니라 존재 코드의 수정이었다. 대표 연작 「이터니티(Eternity)」는 수만 번의 붓질로 화면을 채우는 올오버 페인팅이다. 그는 이를 ‘다색화(多色畵)’라 명명한다. 각각의 붓터치는 독립된 선택이자 전체를 다시 계산하는 미세 연산이며, 반복은 수행이자 축적이다. 레이어 위에 중첩되는 색들은 분기하는 우주의 구조를 암시하고, 시작도 끝도 없는 화면은 ‘영원한 현재’를 가시화한다. 여기서 회화는 감정의 표현을 넘어, 의식 알고리즘이 작동하는 현장이 된다. 그가 강조하는 “파라벨룸(Parabellum)”은 평화를 위한 전쟁 준비가 아니라, 정체된 자기를 갱신하기 위한 일상의 훈련을 뜻한다. 매일의 반복, 사소한 선택의 변화, 작은 실천이 곧 알고리즘의 업데이트다. “Update yourself”라는 그의 슬로건은 자기계발의 구호가 아니라 존재의 코드를 다시 쓰라는 명령어에 가깝다. 박성진(SJPark)의 작업은 묻는다. 지금 당신은 어느 우주 위에 서 있는가? 그리고 당신의 알고리즘은 마지막으로 언제 업데이트되었는가?
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이터니티_260101 Eternity_260101 (2026)
작품 소개
이터니티 시리즈 (Eternity Series)는 박 성진 작가(SJPark)가 2021년부터 현재까지 전개해 오고 있는 일련의 회화 작업이다. 화면 전체가 작은 붓 터치와 색채로 가득 차 있는 추상 회화이다. 멀리서 바라보면 전체가 하나의 패턴처럼 보이지만, 가까이서 보면 수많은 곡선, 짧은 직선, 겹쳐진 색의 흔적 등이 층층이 쌓여 있다. 각각의 붓질이 독립적으로 살아 있어, 마치 혼돈 속에 규칙이 숨어 있는 듯한 인상을 준다. 화풍은 추상 표현주의(Abstract Expressionism)를 연상시키며, 잭슨 폴록(Jackson Pollock, 1912~1956)의 드리핑(Dripping) 기법과도 닮아 있다. 하지만, 이터니티 시리즈는 드리핑 기법의 우연적/즉흥적인 선이나 점들과는 달리, 작가가 하나하나 의도적으로 칠한 붓터치로 이루어져 있다. 색감은 붉은색, 파란색, 노란색, 보라색 등이 고르게 섞여 있어, 다채롭고 활기찬 분위기를 만든다. 전체적으로는 따뜻한 색조와 차가운 색조가 교차하며 균형을 이룬다. 특정한 중심이나 방향성이 없고, 화면 전면이 균등하게 채워져 있는 ‘올오버 페인팅(All-over Painting)’ 형식이다. 보는 위치에 따라 시선이 특정 부분에 머물기도 하지만, 곧 전체로 퍼져 나가는 감각을 준다. 반복된 붓 터치와 색의 진동이 리듬감과 생동감을 만들어내며, 보는 이로 하여금 질서와 무질서 사이를 오가는 감각을 경험하게 한다. 점화(點畵) 시리즈로 유명한 김환기(1913~1974)의 올오버 감각과도 유사한 면이 있다. 하지만, 김환기의 명상적/서정적 분위기에 비해 이터니티 시리즈는 훨씬 다채롭고 혼돈스러운 에너지를 보여준다. 반복되는 붓질과 화면 전체의 일정한 리듬은 박서보(1931~2023)의 묘법 시리즈를 떠올리게도 한다. 그러나, 박서보의 단색화는 절제된 색과 미니멀리즘을 강조하는데 비해, 이터니티 시리즈는 색채가 폭발적으로 다양해 혼돈과 생동을 추구한다. 정리하면, 이터니티 시리즈는 서양 추상 표현주의의 혼돈적 에너지와 한국 단색화의 명상적 반복 사이 어딘가에 위치하고 있다.
이터니티_260101
이터니티_251201 Eternity_251201 (2025)
작품 소개
이터니티 시리즈 (Eternity Series)는 박 성진 작가(SJPark)가 2021년부터 현재까지 전개해 오고 있는 일련의 회화 작업이다. 화면 전체가 작은 붓 터치와 색채로 가득 차 있는 추상 회화이다. 멀리서 바라보면 전체가 하나의 패턴처럼 보이지만, 가까이서 보면 수많은 곡선, 짧은 직선, 겹쳐진 색의 흔적 등이 층층이 쌓여 있다. 각각의 붓질이 독립적으로 살아 있어, 마치 혼돈 속에 규칙이 숨어 있는 듯한 인상을 준다. 화풍은 추상 표현주의(Abstract Expressionism)를 연상시키며, 잭슨 폴록(Jackson Pollock, 1912~1956)의 드리핑(Dripping) 기법과도 닮아 있다. 하지만, 이터니티 시리즈는 드리핑 기법의 우연적/즉흥적인 선이나 점들과는 달리, 작가가 하나하나 의도적으로 칠한 붓터치로 이루어져 있다. 색감은 붉은색, 파란색, 노란색, 보라색 등이 고르게 섞여 있어, 다채롭고 활기찬 분위기를 만든다. 전체적으로는 따뜻한 색조와 차가운 색조가 교차하며 균형을 이룬다. 특정한 중심이나 방향성이 없고, 화면 전면이 균등하게 채워져 있는 ‘올오버 페인팅(All-over Painting)’ 형식이다. 보는 위치에 따라 시선이 특정 부분에 머물기도 하지만, 곧 전체로 퍼져 나가는 감각을 준다. 반복된 붓 터치와 색의 진동이 리듬감과 생동감을 만들어내며, 보는 이로 하여금 질서와 무질서 사이를 오가는 감각을 경험하게 한다. 점화(點畵) 시리즈로 유명한 김환기(1913~1974)의 올오버 감각과도 유사한 면이 있다. 하지만, 김환기의 명상적/서정적 분위기에 비해 이터니티 시리즈는 훨씬 다채롭고 혼돈스러운 에너지를 보여준다. 반복되는 붓질과 화면 전체의 일정한 리듬은 박서보(1931~2023)의 묘법 시리즈를 떠올리게도 한다. 그러나, 박서보의 단색화는 절제된 색과 미니멀리즘을 강조하는데 비해, 이터니티 시리즈는 색채가 폭발적으로 다양해 혼돈과 생동을 추구한다. 정리하면, 이터니티 시리즈는 서양 추상 표현주의의 혼돈적 에너지와 한국 단색화의 명상적 반복 사이 어딘가에 위치하고 있다.
이터니티_251201
이터니티_251101 Eternity_251101 (2025)
작품 소개
이터니티 시리즈 (Eternity Series)는 박 성진 작가(SJPark)가 2021년부터 현재까지 전개해 오고 있는 일련의 회화 작업이다. 화면 전체가 작은 붓 터치와 색채로 가득 차 있는 추상 회화이다. 멀리서 바라보면 전체가 하나의 패턴처럼 보이지만, 가까이서 보면 수많은 곡선, 짧은 직선, 겹쳐진 색의 흔적 등이 층층이 쌓여 있다. 각각의 붓질이 독립적으로 살아 있어, 마치 혼돈 속에 규칙이 숨어 있는 듯한 인상을 준다. 화풍은 추상 표현주의(Abstract Expressionism)를 연상시키며, 잭슨 폴록(Jackson Pollock, 1912~1956)의 드리핑(Dripping) 기법과도 닮아 있다. 하지만, 이터니티 시리즈는 드리핑 기법의 우연적/즉흥적인 선이나 점들과는 달리, 작가가 하나하나 의도적으로 칠한 붓터치로 이루어져 있다. 색감은 붉은색, 파란색, 노란색, 보라색 등이 고르게 섞여 있어, 다채롭고 활기찬 분위기를 만든다. 전체적으로는 따뜻한 색조와 차가운 색조가 교차하며 균형을 이룬다. 특정한 중심이나 방향성이 없고, 화면 전면이 균등하게 채워져 있는 ‘올오버 페인팅(All-over Painting)’ 형식이다. 보는 위치에 따라 시선이 특정 부분에 머물기도 하지만, 곧 전체로 퍼져 나가는 감각을 준다. 반복된 붓 터치와 색의 진동이 리듬감과 생동감을 만들어내며, 보는 이로 하여금 질서와 무질서 사이를 오가는 감각을 경험하게 한다. 점화(點畵) 시리즈로 유명한 김환기(1913~1974)의 올오버 감각과도 유사한 면이 있다. 하지만, 김환기의 명상적/서정적 분위기에 비해 이터니티 시리즈는 훨씬 다채롭고 혼돈스러운 에너지를 보여준다. 반복되는 붓질과 화면 전체의 일정한 리듬은 박서보(1931~2023)의 묘법 시리즈를 떠올리게도 한다. 그러나, 박서보의 단색화는 절제된 색과 미니멀리즘을 강조하는데 비해, 이터니티 시리즈는 색채가 폭발적으로 다양해 혼돈과 생동을 추구한다. 정리하면, 이터니티 시리즈는 서양 추상 표현주의의 혼돈적 에너지와 한국 단색화의 명상적 반복 사이 어딘가에 위치하고 있다.
이터니티_251101
이터니티_240101 Eternity_240101 (2024)
작품 소개
정사각형 화면을 가득 메운 짧은 붓질들은, 처음에는 하나의 거대한 색의 장(場)처럼 다가온다. 레드와 오렌지, 옐로가 만든 따뜻한 기운 사이로 라이트 블루와 터쿼이즈, 미세한 베이지 톤이 끊임없이 스며들며, 전체적으로는 밝고 공기감 있는 온도를 형성한다. 어느 한 방향으로 흐르거나 중심을 세우지 않은 색의 파편들은 사방으로 흩어지는 듯 보이지만, 시야를 넓히면 화면 전체가 일정한 호흡으로 진동하는 하나의 파동처럼 느껴진다.
오일 물감을 반복해서 올리며 만들어진 두꺼운 표면은 가까이에서 볼수록 더 입체적으로 다가온다. 비슷한 크기의 붓 자국들이 끝없이 이어지지만, 각기 다른 속도와 힘, 살짝 비틀린 방향 때문에 화면 곳곳에서 미세하게 다른 리듬이 생겨난다. 어느 한 자국을 따라가다 보면 그 붓질이 바로 앞에서 만들어진 것인지, 그 아래층에서 오래전에 자리 잡은 것인지 구분하기 어려워지며, 겹겹이 쌓인 시간의 켜가 시각적으로 드러난다.
한 걸음 물러서면 수없이 쌓인 순간들이 하나의 연속적인 장면으로 합쳐진다. 독립된 존재처럼 솟아 있던 붓 자국들은 더 이상 개별적인 점이 아니라, 끊어지지 않는 흐름을 이루는 작은 파동으로 느껴진다. 시선을 어디에 두더라도 계속해서 이어지는 색의 흔적을 따라가다 보면, 관람자는 자신만의 속도로 화면을 순환하게 되고, 끝과 시작이 분명히 나뉘지 않는 시간의 감각, 조용히 지속되는 ‘영원’의 상태와 마주하게 된다.
이터니티 시리즈 (Eternity Series)는 박 성진 작가(SJPark)가 2021년부터 현재까지 전개해 오고 있는 일련의 회화 작업이다. 화면 전체가 작은 붓 터치와 색채로 가득 차 있는 추상 회화이다. 멀리서 바라보면 전체가 하나의 패턴처럼 보이지만, 가까이서 보면 수많은 곡선, 짧은 직선, 겹쳐진 색의 흔적 등이 층층이 쌓여 있다. 각각의 붓질이 독립적으로 살아 있어, 마치 혼돈 속에 규칙이 숨어 있는 듯한 인상을 준다. 화풍은 추상 표현주의(Abstract Expressionism)를 연상시키며, 잭슨 폴록(Jackson Pollock, 1912~1956)의 드리핑(Dripping) 기법과도 닮아 있다. 하지만, 이터니티 시리즈는 드리핑 기법의 우연적/즉흥적인 선이나 점들과는 달리, 작가가 하나하나 의도적으로 칠한 붓터치로 이루어져 있다. 색감은 붉은색, 파란색, 노란색, 보라색 등이 고르게 섞여 있어, 다채롭고 활기찬 분위기를 만든다. 전체적으로는 따뜻한 색조와 차가운 색조가 교차하며 균형을 이룬다. 특정한 중심이나 방향성이 없고, 화면 전면이 균등하게 채워져 있는 ‘올오버 페인팅(All-over Painting)’ 형식이다. 보는 위치에 따라 시선이 특정 부분에 머물기도 하지만, 곧 전체로 퍼져 나가는 감각을 준다. 반복된 붓 터치와 색의 진동이 리듬감과 생동감을 만들어내며, 보는 이로 하여금 질서와 무질서 사이를 오가는 감각을 경험하게 한다. 점화點畵 시리즈로 유명한 김환기(1913~1974)의 올오버 감각과도 유사한 면이 있다. 하지만, 김환기의 명상적/서정적 분위기에 비해 이터니티 시리즈는 훨씬 다채롭고 혼돈스러운 에너지를 보여준다. 반복되는 붓질과 화면 전체의 일정한 리듬은 박서보(1931~2023)의 묘법 시리즈를 떠올리게도 한다. 그러나, 박서보의 단색화는 절제된 색과 미니멀리즘을 강조하는데 비해, 이터니티 시리즈는 색채가 폭발적으로 다양해 혼돈과 생동을 추구한다. 정리하면, 이터니티 시리즈는 서양 추상 표현주의의 혼돈적 에너지와 한국 단색화의 명상적 반복 사이 어딘가에 위치하고 있다.
이터니티_240101
이터니티_240102 Eternity_240102 (2024)
작품 소개
정사각형 화면을 가득 메운 짧은 붓질들은, 처음에는 하나의 거대한 색의 장(場)처럼 다가온다. 레드와 오렌지, 옐로가 만든 따뜻한 기운 사이로 라이트 블루와 터쿼이즈, 미세한 베이지 톤이 끊임없이 스며들며, 전체적으로는 밝고 공기감 있는 온도를 형성한다. 어느 한 방향으로 흐르거나 중심을 세우지 않은 색의 파편들은 사방으로 흩어지는 듯 보이지만, 시야를 넓히면 화면 전체가 일정한 호흡으로 진동하는 하나의 파동처럼 느껴진다.
오일 물감을 반복해서 올리며 만들어진 두꺼운 표면은 가까이에서 볼수록 더 입체적으로 다가온다. 비슷한 크기의 붓 자국들이 끝없이 이어지지만, 각기 다른 속도와 힘, 살짝 비틀린 방향 때문에 화면 곳곳에서 미세하게 다른 리듬이 생겨난다. 어느 한 자국을 따라가다 보면 그 붓질이 바로 앞에서 만들어진 것인지, 그 아래층에서 오래전에 자리 잡은 것인지 구분하기 어려워지며, 겹겹이 쌓인 시간의 켜가 시각적으로 드러난다.
한 걸음 물러서면 수없이 쌓인 순간들이 하나의 연속적인 장면으로 합쳐진다. 독립된 존재처럼 솟아 있던 붓 자국들은 더 이상 개별적인 점이 아니라, 끊어지지 않는 흐름을 이루는 작은 파동으로 느껴진다. 시선을 어디에 두더라도 계속해서 이어지는 색의 흔적을 따라가다 보면, 관람자는 자신만의 속도로 화면을 순환하게 되고, 끝과 시작이 분명히 나뉘지 않는 시간의 감각, 조용히 지속되는 ‘영원’의 상태와 마주하게 된다.
이터니티 시리즈 (Eternity Series)는 박 성진 작가(SJPark)가 2021년부터 현재까지 전개해 오고 있는 일련의 회화 작업이다. 화면 전체가 작은 붓 터치와 색채로 가득 차 있는 추상 회화이다. 멀리서 바라보면 전체가 하나의 패턴처럼 보이지만, 가까이서 보면 수많은 곡선, 짧은 직선, 겹쳐진 색의 흔적 등이 층층이 쌓여 있다. 각각의 붓질이 독립적으로 살아 있어, 마치 혼돈 속에 규칙이 숨어 있는 듯한 인상을 준다. 화풍은 추상 표현주의(Abstract Expressionism)를 연상시키며, 잭슨 폴록(Jackson Pollock, 1912~1956)의 드리핑(Dripping) 기법과도 닮아 있다. 하지만, 이터니티 시리즈는 드리핑 기법의 우연적/즉흥적인 선이나 점들과는 달리, 작가가 하나하나 의도적으로 칠한 붓터치로 이루어져 있다. 색감은 붉은색, 파란색, 노란색, 보라색 등이 고르게 섞여 있어, 다채롭고 활기찬 분위기를 만든다. 전체적으로는 따뜻한 색조와 차가운 색조가 교차하며 균형을 이룬다. 특정한 중심이나 방향성이 없고, 화면 전면이 균등하게 채워져 있는 ‘올오버 페인팅(All-over Painting)’ 형식이다. 보는 위치에 따라 시선이 특정 부분에 머물기도 하지만, 곧 전체로 퍼져 나가는 감각을 준다. 반복된 붓 터치와 색의 진동이 리듬감과 생동감을 만들어내며, 보는 이로 하여금 질서와 무질서 사이를 오가는 감각을 경험하게 한다. 점화點畵 시리즈로 유명한 김환기(1913~1974)의 올오버 감각과도 유사한 면이 있다. 하지만, 김환기의 명상적/서정적 분위기에 비해 이터니티 시리즈는 훨씬 다채롭고 혼돈스러운 에너지를 보여준다. 반복되는 붓질과 화면 전체의 일정한 리듬은 박서보(1931~2023)의 묘법 시리즈를 떠올리게도 한다. 그러나, 박서보의 단색화는 절제된 색과 미니멀리즘을 강조하는데 비해, 이터니티 시리즈는 색채가 폭발적으로 다양해 혼돈과 생동을 추구한다. 정리하면, 이터니티 시리즈는 서양 추상 표현주의의 혼돈적 에너지와 한국 단색화의 명상적 반복 사이 어딘가에 위치하고 있다.
이터니티_240102
이터니티_220101 Eternity_220101 (2022)
작품 소개
캔버스를 가득 메우고 있는 것은 하나의 형상이 아니라, 셀 수 없이 잘게 쪼개진 선들의 떨림이다. 옅은 그레이와 화이트가 만든 바탕 위로, 레드와 브라운, 블루와 옐로 계열의 짧은 선들이 사방으로 흩어지듯 반복되며, 화면 전체에 촘촘한 결을 만든다. 각 선은 방향도 길이도 조금씩 다르지만, 일정한 간격으로 이어지는 리듬 덕분에 무질서보다는 낮고 긴 호흡의 파동에 가깝게 느껴진다. 멀리서 보면 하나의 엷은 안개처럼, 가까이 다가가면 수없이 겹쳐진 흔적들의 군집으로 보이는 이 패턴은, 구체적인 장면 대신 끝없이 이어지는 시간의 표면을 떠올리게 한다.
오일 물감을 여러 번 덧입힌 표면에는 미세한 요철과 색의 잔향이 남아 있다. 짧게 끊어지고 비틀린 선들이 서로를 가로지르며 만든 층 사이로, 이전에 올려 두었던 색들이 틈틈이 드러나, 한 번의 제스처가 아니라 수많은 반복과 수정의 과정이 응축된 장이라는 것을 알게 한다. 화면을 따라가다 보면 어느 선이 먼저였는지, 어디까지가 하나의 움직임이었는지 구분하기 어려워지고, 각각의 자국은 하나의 순간이 아니라, 오래 이어지는 감정과 생각의 미세한 진동처럼 남는다.
한 걸음 물러서면 개별적인 선들은 더 이상 분리되지 않고, 조용히 맥동하는 하나의 장면으로 합쳐진다. 시선은 화면 어디에 머물러도 곧 다른 선들의 흐름으로 밀려가며, 시작도 끝도 뚜렷이 찾기 어려운 순환 속에 머무르게 된다. 이 끝나지 않는 패턴을 바라보는 동안 관람자는 특정한 이미지를 찾기보다, 자신 안에서 계속해서 되풀이되는 기억과 감정의 리듬을 자연스럽게 겹쳐 보게 되고, 아주 작은 떨림들이 모여 하나의 ‘영원’한 분위기를 이루는 순간과 조용히 마주하게 된다.
이터니티 시리즈 (Eternity Series)는 박 성진 작가(SJPark)가 2021년부터 현재까지 전개해 오고 있는 일련의 회화 작업이다. 화면 전체가 작은 붓 터치와 색채로 가득 차 있는 추상 회화이다. 멀리서 바라보면 전체가 하나의 패턴처럼 보이지만, 가까이서 보면 수많은 곡선, 짧은 직선, 겹쳐진 색의 흔적 등이 층층이 쌓여 있다. 각각의 붓질이 독립적으로 살아 있어, 마치 혼돈 속에 규칙이 숨어 있는 듯한 인상을 준다. 화풍은 추상 표현주의(Abstract Expressionism)를 연상시키며, 잭슨 폴록(Jackson Pollock, 1912~1956)의 드리핑(Dripping) 기법과도 닮아 있다. 하지만, 이터니티 시리즈는 드리핑 기법의 우연적/즉흥적인 선이나 점들과는 달리, 작가가 하나하나 의도적으로 칠한 붓터치로 이루어져 있다. 색감은 붉은색, 파란색, 노란색, 보라색 등이 고르게 섞여 있어, 다채롭고 활기찬 분위기를 만든다. 전체적으로는 따뜻한 색조와 차가운 색조가 교차하며 균형을 이룬다. 특정한 중심이나 방향성이 없고, 화면 전면이 균등하게 채워져 있는 ‘올오버 페인팅(All-over Painting)’ 형식이다. 보는 위치에 따라 시선이 특정 부분에 머물기도 하지만, 곧 전체로 퍼져 나가는 감각을 준다. 반복된 붓 터치와 색의 진동이 리듬감과 생동감을 만들어내며, 보는 이로 하여금 질서와 무질서 사이를 오가는 감각을 경험하게 한다. 점화點畵 시리즈로 유명한 김환기(1913~1974)의 올오버 감각과도 유사한 면이 있다. 하지만, 김환기의 명상적/서정적 분위기에 비해 이터니티 시리즈는 훨씬 다채롭고 혼돈스러운 에너지를 보여준다. 반복되는 붓질과 화면 전체의 일정한 리듬은 박서보(1931~2023)의 묘법 시리즈를 떠올리게도 한다. 그러나, 박서보의 단색화는 절제된 색과 미니멀리즘을 강조하는데 비해, 이터니티 시리즈는 색채가 폭발적으로 다양해 혼돈과 생동을 추구한다. 정리하면, 이터니티 시리즈는 서양 추상 표현주의의 혼돈적 에너지와 한국 단색화의 명상적 반복 사이 어딘가에 위치하고 있다.
이터니티_220101
트리니티_1/3 Trinity_1/3 (2020)
작품 소개
정사각 화면을 가득 채운 짧은 붓질들은 처음에는 하나의 거대한 푸른 장(場)처럼 다가온다. 사파이어 블루와 터쿼이즈, 네이비가 촘촘하게 얽힌 바탕 위로 시안과 라이트 블루, 미세한 화이트가 스며들며, 깊은 물속의 서늘한 온도와 수면 위로 반사된 빛의 따뜻한 기운이 동시에 떠오른다. 어느 한 방향으로 흐르거나 중심을 세우지 않은 색의 파편들은 사방으로 흩어지는 듯 보이지만, 시야를 넓히면 화면 전체가 잔잔한 호흡으로 진동하는 하나의 파동처럼 느껴진다.
오일 물감을 여러 겹 쌓아 올린 두꺼운 표면은 가까이 다가갈수록 더 입체적으로 드러난다. 비슷한 크기의 붓 자국들이 끝없이 이어지지만, 각기 다른 속도와 힘, 미세하게 꺾인 방향 때문에 곳곳에서 서로 다른 리듬이 생겨난다. 어느 한 자국을 따라가다 보면 그것이 바로 앞의 순간에 놓인 것인지, 훨씬 이전의 층에서 떠오른 것인지 구분하기 어려워지고, 겹겹이 포개진 시간의 켜가 시각적으로 드러난다. 물결처럼 겹쳐지는 붓질은 단일한 장면이라기보다, 끊임없이 갱신되는 순간들의 기록에 가깝다.
한 걸음 물러서면 수없이 쌓인 순간들이 하나의 연속적인 장면으로 합쳐진다. 독립된 존재처럼 솟아 있던 붓 자국들은 더 이상 개별적인 점이 아니라, 끊어지지 않는 흐름을 이루는 작은 파동으로 느껴진다. 시선을 어디에 두더라도 계속 이어지는 색의 흔적을 따라가다 보면, 관람자는 자신만의 속도로 화면을 순환하게 되고, 고요하게 출렁이는 푸른 장면 속에서 시작과 끝이 분명히 나뉘지 않는 시간의 감각, 조용히 지속되는 ‘Trinity Series’의 한 순간과 마주하게 된다.
트리니티 시리즈는 알고리즘이 작동하는 세 가지 의식의 상태를 회화로 기록한 작업이다. 이 작업이 이러한 형태를 가질 것이라고 처음부터 계획한 것은 아니었다. 개념적으로, 블루/그린/레드와 원/방/각이 포괄되는 형태를 시도하고자 했다. 기독교의 삼위일체론에서 말하는 성부/성자/성령의 이미지도 염두에 두었다. 구상의 시기가 추상의 시기로 넘어가는 과정이기도 하다.
트리니티_1/3
트리니티_2/3 Trinity_2/3 (2020)
작품 소개
정사각 화면을 가득 메운 붓질들은, 처음에는 하나의 거대한 색의 장(場)처럼 다가온다. 라이트 그린과 옐로, 터쿼이즈와 라이트 블루, 핑크와 바이올렛이 뒤섞이며 전체적으로는 밝고 공기감 있는 온도를 만든다. 특정한 방향이나 중심을 세우지 않은 색의 선들은 사방으로 뻗어나가는 듯 보이지만, 시야를 넓히면 화면 전체가 일정한 호흡으로 진동하는 하나의 유기적인 덩어리처럼 느껴진다. 숲의 잎맥, 수초의 흐름, 불꽃의 잔상 등이 겹쳐지며, 한 가지 이미지로 고정되기보다 계속해서 다른 장면을 떠올리게 한다.
오일 물감을 반복해서 올리며 만들어진 두꺼운 표면은 가까이 다가갈수록 더 입체적으로 드러난다. 짧으면서도 굽이치는 붓 자국들이 끝없이 이어지지만, 각기 다른 속도와 힘, 미세하게 꺾인 방향 때문에 화면 곳곳에서 서로 다른 리듬이 생겨난다. 어느 한 자국을 따라가다 보면 그것이 바로 앞의 순간에 놓인 것인지, 훨씬 이전의 층에서 솟아오른 것인지 구분하기 어려워지고, 겹겹이 포개진 시간의 켜가 시각적으로 드러난다. 표면 위로 솟은 물감의 두께는 단순한 질감이 아니라, 여러 번의 선택과 망설임, 다시 이어 그은 호흡이 응고된 흔적으로 남는다.
한 걸음 물러서면 수없이 쌓인 붓질과 색의 편린들이 하나의 연속적인 장면으로 합쳐진다. 독립된 존재처럼 솟아 있던 자국들은 더 이상 개별적인 점이 아니라, 끊어지지 않는 흐름을 이루는 작은 파동으로 느껴진다. 시선을 어디에 두더라도 계속 이어지는 색의 흔적을 따라가다 보면, 관람자는 자신만의 속도로 화면을 순환하게 되고, 생장과 소멸, 다시 피어오름이 동시에 일어나는 듯한 감각 속에서, 조용히 지속되는 ‘Trinity Series’의 한 순간과 마주하게 된다.
트리니티 시리즈는 알고리즘이 작동하는 세 가지 의식의 상태를 회화로 기록한 작업이다. 이 작업이 이러한 형태를 가질 것이라고 처음부터 계획한 것은 아니었다. 개념적으로, 블루/그린/레드와 원/방/각이 포괄되는 형태를 시도하고자 했다. 기독교의 삼위일체론에서 말하는 성부/성자/성령의 이미지도 염두에 두었다. 구상의 시기가 추상의 시기로 넘어가는 과정이기도 하다.
트리니티_2/3
트리니티_3/3 Trinity_3/3 (2020)
작품 소개
정사각 화면의 중심에는 한 점에서 폭발하듯 번져 나가는 거대한 원형의 덩어리가 자리한다. 붉은색과 핑크, 옐로, 오렌지 계열의 짧은 붓질들이 촘촘하게 뒤엉키며 뜨거운 핵을 이루고, 바깥으로 갈수록 라일락, 블루, 그레이가 섞여 서서히 식어가는 빛의 궤적을 만든다. 화면 전체는 마치 한순간의 섬광이 정지된 것처럼 보이지만, 중심에서 가장자리로 이어지는 색의 방향과 밀도의 변화 때문에, 보는 이의 시선은 자연스럽게 안쪽과 바깥을 오가며 팽창과 수축의 리듬을 경험하게 된다.
오일 물감을 반복해 올려 만든 두꺼운 표면은 가까이 다가갈수록 더 복잡한 층위를 드러낸다. 짧고 굽이치는 붓 자국들은 방사형으로 뻗어 나가면서도, 각기 다른 속도와 압력, 미세하게 꺾인 방향을 품고 있어, 화면 곳곳에서 서로 다른 진동이 일어난다. 어느 한 자국을 따라가다 보면 그것이 가장 안쪽의 오래된 층에서 솟아오른 것인지, 마지막 순간에 더해진 흔적인지 구분하기 어려워지고, 겹겹이 포개진 시간의 켜가 하나의 원형 구조 안에서 응축된 에너지처럼 느껴진다. 물감이 솟구친 두께는 단순한 질감이 아니라, 반복된 호흡과 멈칫거림, 다시 이어 그은 선택의 흔적이 응고된 결과로 남는다.
한 걸음 물러서면 수없이 쌓인 붓질과 색의 파편들은 더 이상 개별적인 점이 아니라, 안쪽으로 끌어당기고 바깥으로 밀어내는 이중의 힘을 가진 하나의 장면으로 합쳐진다. 중심부의 뜨거운 빛과 가장자리의 서늘한 여백 사이에서 관람자는 자신만의 속도로 화면을 순환하게 되고, 폭발과 수렴, 소멸과 재생이 동시에 일어나는 듯한 감각 속에서, 조용히 맥동하는 ‘Trinity Series’의 한 순간과 마주하게 된다.
트리니티 시리즈는 알고리즘이 작동하는 세 가지 의식의 상태를 회화로 기록한 작업이다. 이 작업이 이러한 형태를 가질 것이라고 처음부터 계획한 것은 아니었다. 개념적으로, 블루/그린/레드와 원/방/각이 포괄되는 형태를 시도하고자 했다. 기독교의 삼위일체론에서 말하는 성부/성자/성령의 이미지도 염두에 두었다. 구상의 시기가 추상의 시기로 넘어가는 과정이기도 하다.
트리니티_3/3
마인드스케이프_201101 Mindscape_201101 (2020)
작품 소개
가로로 길게 펼쳐진 화면 전체를 짧고 세로로 떨어지는 붓질들이 가득 메운다. 터쿼이즈와 사파이어 블루, 딥 그린이 촘촘하게 겹쳐지며, 빗줄기가 연속해서 떨어지는 장면처럼 세로 방향의 흐름을 만든다. 일정한 패턴처럼 보이지만, 각 붓질의 길이와 두께, 미세하게 흔들린 방향이 조금씩 달라서, 화면은 고르게 내려앉은 비가 아니라 서로 다른 속도로 흘러내리는 생각의 줄기처럼 느껴진다.
오일 물감을 여러 번 쌓아 만든 두꺼운 표면은 가까이 다가갈수록 더 복잡한 층위를 드러낸다. 아래층의 어두운 블루와 바이올렛, 거의 눈에 띄지 않는 옐로와 핑크의 입자들이 위로 스며 나오며, 단일한 푸른색이 아니라 수많은 감정과 기억이 뒤엉킨 심연의 색으로 변한다. 세로로 끌어내린 붓 자국들은 중력 방향을 따르면서도 곳곳에서 미세하게 갈라지고 겹쳐져, 잠시 머뭇거린 호흡, 다시 이어 그은 손의 궤적을 그대로 남긴다. 물감이 흘러내린 듯 솟은 두께는 단순한 질감이 아니라, 축적된 사유가 응고된 흔적에 가깝다.
한 걸음 물러서면 수없이 반복된 붓질들은 더 이상 개별적인 선이 아니라, 조용히 내려앉는 푸른 장막으로 보인다. 위와 아래, 안과 밖의 경계가 흐려진 화면 앞에서 시선은 자연스럽게 위에서 아래로, 다시 아래에서 위로 왕복하며, 가라앉았다 떠오르는 마음의 리듬을 따라가게 된다. 관람자는 일정한 패턴 속에 숨어 있는 미세한 떨림들을 더듬듯 바라보며, 자신만의 속도로 가라앉고 정리되는 생각의 풍경, 하나의 ‘Mindscape’ 속으로 천천히 스며들게 된다.
‘마인드스케이프'는 형상 이전의 형상, 기억 이전의 기억, 감정 이전의 감정을 포착하려는 시도에서 출발한다. 이 작품은 무언가를 묘사하지 않는다. 오히려 ‘무언가가 되어가는 과정’을 보여준다. 이 작업은 생각을 표현하려는 시도가 아니라, 생각이 형성되기 이전의 상태를 기록한 것이다. 반복되는 수직의 스트로크는 의식의 흐름이자, 멈추지 않고 처리되는 내면의 리듬을 상징한다. 질서와 무질서 사이에서 마음은 하나의 방향을 갖지만, 명확한 형태는 굳어지지 않는다. 감정과 기억 그리고 인식이 형태를 얻어가는 과정에 주목한다는 점에서, 정신적 추상(Spiritual Abstraction)에 가깝다. ‘마인드스케이프(Mindscape)’는 감정이나 서사를 전달하지 않는다. 대신 관람자가 자신의 내면을 투사하며 잠시 머물 수 있는, 비 언어적 의식의 풍경을 제시한다. ‘마인드스케이프(Mindscape)’는 외부 세계의 풍경이 아니라, 마음속에서 태어나고 사라지는 풍경을 그린 작품이다. 따라서, 이 작품을 바라보는 순간, 관람자의 기억과 감정 또한 화면의 일부로 편입되며, 작품은 매번 다른 형태로 다시 태어난다. 이처럼 ‘마인드스케이프(Mindscape)’는 단지 하나의 그림이 아니라, 의식이 풍경을 만들고, 풍경이 다시 의식을 만드는 순환적 구조를 시각화한 실험적 회화라 할 수 있다. 이 화면 앞에서, 당신의 마음은 지금 어떤 방향으로 흐르고 있는가?
마인드스케이프_201101
마인드스케이프 Mindscape (2019)
작품 소개
가로로 넓게 펼쳐진 화면 위에는, 한 방향으로 흐르기보다 사방으로 번져 나가는 색의 덩어리들이 뒤엉켜 있다. 라이트 블루와 터쿼이즈, 그레이가 만든 부드러운 바탕 위로, 옐로와 오렌지, 핑크와 레드, 라임 그린이 불꽃처럼 솟아오르며 서로를 침범한다. 특정한 중심이나 경계선 없이 번져 나가는 이 색의 군집들은, 한 장면으로 고정되기보다 구름, 물결, 식물, 불꽃의 잔상 사이를 끊임없이 왕복하며, 선명한 이미지가 아니라 변화하는 기분과 생각의 기류에 더 가까운 풍경을 만들어낸다.
오일 물감을 반복해서 올려 만든 두꺼운 표면은 가까이 다가갈수록 더 복잡한 층위를 드러낸다. 짧고 뒤틀린 붓질들이 이리저리 부딪히며 만들어낸 요철 위로, 다른 색의 물감이 다시 포개지면서, 어느 한 자국이 시작이고 끝인지 분간하기 어려운 얽힘이 생겨난다. 회색빛 안개처럼 보이던 부분 안에도 미세한 블루와 바이올렛, 거의 숨은 듯한 그린과 핑크의 입자들이 숨어 있어, 화면은 단일한 톤이 아니라 여러 번의 선택과 망설임, 다시 고쳐 그은 손의 궤적이 응축된 층으로 느껴진다. 물감이 솟구친 두께는 단순한 질감이 아니라, 떠오르는 생각이 바로 사라지지 않고 잠시 머물다 굳어버린 흔적처럼 남는다.
한 걸음 물러서면 흩어져 있던 붓질과 색의 파편들은 더 이상 개별적인 조각이 아니라, 조용히 회전하는 하나의 장처럼 보인다. 시선은 화면 어디에 머물러도 곧 다른 색의 소용돌이로 끌려가고, 다시 옅은 그레이의 여백으로 빠져나오기를 반복한다. 이 느슨하지만 끊어지지 않는 순환 속에서 관람자는 자신의 내면에서 스쳐 지나가는 장면들을 떠올리게 되고, 선명히 말로 붙잡히지 않는 생각과 감정의 흐름, 하나의 ‘Mindscape’ 속을 천천히 부유하듯 건너가게 된다.
마인드스케이프 시리즈 최초의 작품이다. 마인드스케이프는 형상 이전의 형상, 기억 이전의 기억, 감정 이전의 감정을 포착하려는 시도에서 출발한다. 이 작품은 무언가를 묘사하지 않는다. 오히려 ‘무언가가 되어가는 과정’을 보여준다. 감정과 기억 그리고 인식이 형태를 얻어가는 과정에 주목한다는 점에서, 정신적 추상(Spiritual Abstraction)에 가깝다. ‘마인드스케이프(Mindscape)’는 감정이나 서사를 전달하지 않는다. 대신 관람자가 자신의 내면을 투사하며 잠시 머물 수 있는, 비 언어적 의식의 풍경을 제시한다. ‘마인드스케이프(Mindscape)’는 외부 세계의 풍경이 아니라, 마음속에서 태어나고 사라지는 풍경을 그린 작품이다. 따라서, 이 작품을 바라보는 순간, 관람자의 기억과 감정 또한 화면의 일부로 편입되며, 작품은 매번 다른 형태로 다시 태어난다. 이처럼 ‘마인드스케이프(Mindscape)’는 단지 하나의 그림이 아니라, 의식이 풍경을 만들고, 풍경이 다시 의식을 만드는 순환적 구조를 시각화한 실험적 회화라 할 수 있다. 이 화면 앞에서, 당신의 마음은 지금 어떤 방향으로 흐르고 있는가?
마인드스케이프
그랜드 캐니언 Grand Canyon (2019)
작품 소개
캔버스를 가득 채우고 있는 것은 익숙한 풍경으로서의 그랜드 캐니언이 아니라, 색과 두께로 번역된 거대한 지층의 호흡이다. 화면 아래에서부터 밀려 올라오는 붉은 바위들은 오렌지, 마젠타, 선홍색이 뒤엉킨 거친 덩어리로 남아 있고, 그 사이사이의 짙은 블랙과 딥 그린은 깊이를 알 수 없는 협곡의 틈처럼 가라앉아 있다. 위로 시선을 올리면 노랑과 옅은 브라운, 미묘한 바이올렛이 섞인 고원의 평면이 수평으로 길게 펼쳐지고, 가장 위쪽에서는 선명한 블루의 하늘이 가느다란 띠처럼 좁게 열려 있다. 실제 풍경의 원근 구조를 따르면서도, 색의 온도 차와 질감의 대비가 훨씬 과장되어 있어, 눈앞의 장면이라기보다 ‘기억 속에서 다시 달궈진’ 그랜드 캐니언에 가까운 인상을 만든다.
오일 물감을 여러 번 두껍게 쌓아 올린 표면은, 가까이 다가갈수록 바위의 형태보다 손의 움직임과 시간의 층위를 먼저 드러낸다. 붉은 바위 위로는 짧게 끊긴 스트로크와 칼자국이 뒤섞여 울퉁불퉁한 표피를 만들고, 그 사이로 옐로와 라임 그린, 짙은 바이올렛이 미세하게 스며 나와 한 번에 정리된 색이 아니라 수차례의 망설임과 수정이 겹쳐진 결과임을 알게 한다. 아래쪽의 어두운 영역에서는 블랙과 인디고, 청록이 섞여 거의 추상적인 소용돌이를 이루고, 그 위로 밝은 터쿼이즈와 화이트가 얇게 얹혀, 빛이 바위 표면을 스치고 사라지는 찰나의 잔상을 남긴다. 화면 한가운데쯤, 노란빛이 강하게 응축된 부분은 마치 태양이 바닥에 떨어져 다시 반사되는 듯한 인상을 주며, 이 풍경 전체가 강렬한 열과 눈부심 속에서 서서히 흔들리고 있다는 감각을 만든다.
한 걸음 물러서면 개별적인 붓질과 요철은 더 이상 분리되지 않고, 아래의 뜨거운 붉은 지층과 위로 멀어지는 황금빛 고원, 그 너머의 차가운 하늘이 하나의 거대한 파노라마로 합쳐진다. 시선은 자연스럽게 붉은 바위의 가장자리에서 어둠의 골짜기로, 다시 밝게 타오르는 중심부와 먼 수평선으로 이동하며, 실재하는 장소보다 그곳에 서 있었을 때의 몸의 감각과 숨의 리듬을 떠올리게 된다. 이 풍경 앞에 서 있는 동안 관람자는 절벽과 하늘을 구분해 읽기보다, 압도적인 색의 온도 차와 깊이의 진동 속에 잠시 몸을 맡기게 되고, 거대한 자연을 바라본 기억과 지금의 감정이 겹쳐지는 그 틈에서, 자신만의 그랜드 캐니언을 조용히 떠올려 보게 된다.
그랜드 캐니언은 박성진(SJPark) 작가의 초기 유화 작품이다. 작가가 구축한 세계는 풍경을 바라보는 관습적 시선을 넘어, ‘존재를 바라보는 사유의 장소’로 이동한다. 이 작품에서 대지는 단지 물리적 공간이 아니라, 기억이 퇴적된 의식의 지층이며, 하늘은 그 기억이 빛과 의미로 확장되는 사유의 공간이다. 작가는 실제 그랜드 캐니언을 직접적으로 재현하기 보다, 그 풍경 속에서 느낀 시간의 무게, 존재의 심장, 그리고 빛의 탄생을 회화적 언어로 번역해 화면 위에 새겨 넣는다. 지평선은 현실과 초월의 경계이며, 그 경계를 넘나드는 독수리는 관람자의 시선이자 인간의 사유를 상징한다. 독수리는 공간을 횡단하는 존재이자, 창조자의 시선, 혹은 관조하는 자의 영혼이다. 이 작품은 풍경과 추상을 넘나드는 경계에 서 있으며, 단순히 자연을 묘사하는 회화라기 보다, 자연을 통해 인간의 내면과 존재의 본질을 탐구한 철학적 풍경 회화라고 볼 수 있다. 표현 방식에서는 터너(J.W.M.Turner)의 빛에 대한 해체적 접근, 바넷 뉴먼(Barnett Newman)의 수직적 공간 인식, 마크 로스코(Mark Rothko)의 사유적 색면 구성과 일맥상통하는 정신성이 느껴지지만, 작가는 이를 모방하지 않고 자신만의 언어로 재창조한다. 특히, ‘대지-기억-존재-빛’이라는 네 가지 키워드를 기반으로 풍경을 해석한 사고 과정은, 그 자체가 하나의 현대적 회화 언어로 확장된다. ‘그랜드 캐니언: Land and Sky’는 시각적 감상의 대상일 뿐 아니라, 보는 이로 하여금 질문하도록 만든다. ‘풍경을 그린다’는 개념을 뛰어 넘어, ‘풍경을 통해 존재를 말한다’는 새로운 회화적 서사를 제안한다. “대지는 기억을 품고 있었고, 하늘은 그 기억을 빛으로 확장시켰다.”
그랜드 캐니언
바이오센트리즘 Biocentrism (2019)
작품 소개
캔버스를 가득 채우고 있는 것은 밤하늘을 배경으로 한 풍경이라기보다, 생명과 우주의 구조가 한 화면 안에서 겹쳐진 거대한 신경망에 가깝다. 짙은 코발트와 울트라마린 블루가 만든 하늘과 산의 실루엣 위로, 붉은 오렌지 톤의 가지들이 사방으로 뻗어 나가며 화면을 가로지른다. 아래에서 위로 치솟는 나무의 형상은 분명하지만, 가지 끝으로 갈수록 뇌의 뉴런이나 혈관을 떠올리게 하는 추상적인 망으로 변해, 풍경과 몸의 내부, 숲과 신경계가 하나의 구조처럼 겹쳐 보이게 한다.
오일 물감이 두껍게 쌓인 푸른 영역은 단순한 밤하늘이 아니라, 끓어오르는 에너지의 장처럼 보인다. 거친 스트로크와 칼자국이 만든 요철 사이로 화이트와 라이트 블루가 번져 나가며, 안쪽에서 스스로 빛을 내는 성운이나 세포막의 발광을 연상시키는 얼룩을 만든다. 화면 곳곳에 박혀 있는 작은 점들은 별처럼 보이기도 하고, 현미경 아래에서 떠다니는 세포나 유기체처럼 보이기도 하며, 거대한 우주의 스케일과 미세한 생명의 단위가 같은 리듬으로 맥동하고 있다는 인상을 남긴다.
붉은 나무 기둥과 가지는 이 푸른 장면을 관통하는 하나의 통로로 작동한다. 굵게 올려진 따뜻한 색의 물감은 주변의 차가운 블루와 강하게 대비되면서, 마치 보이지 않는 에너지가 그 안을 흐르고 있는 듯한 긴장감을 만든다. 가지가 갈라지는 지점마다 색의 두께와 방향이 미세하게 달라져, 한 번의 제스처가 아니라 수많은 망설임과 수정 끝에 남은 ‘결정된 길’처럼 느껴진다. 그 사이로 스며든 어두운 그린과 그레이는 숲의 그림자이자, 의식의 깊은 층을 암시하는 배경으로 남아, 화면 전체를 단순한 풍경화가 아닌, 생명 중심의 세계를 상상하는 한 편의 다이어그램처럼 보이게 한다.
한 걸음 물러서면 나무, 산, 하늘은 더 이상 분리되지 않고, 하나의 거대한 생명체 안쪽을 들여다보는 단면처럼 합쳐진다. 시선은 땅에서 시작해 붉은 줄기를 타고 위로 올라가고, 다시 푸른 우주의 심장부로 빨려 들어가기를 반복한다. 이 순환을 따라가다 보면 관람자는 자신이 나무를 바라보고 있는지, 나무의 시선으로 우주를 올려다보고 있는지 점점 헷갈리게 되고, 생명과 환경, 안과 밖의 경계가 희미해지는 순간과 마주하게 된다. 작품 앞에 서 있는 동안, 하나의 풍경을 본다는 느낌보다, 살아 있는 모든 것의 중심에 잠시 연결되어 있는 듯한 감각 속으로 천천히 스며들게 된다.
바이오센트리즘은 물질에서 생명이 탄생한 것이 아니라, 생명에서 우주가 생겨나게 되었다는 가설이다. 이는 실로 패러다임의 전환을 필요로 한다.
바이오센트리즘
같은 바다라는 것은 없다 There is No Such Thing As the Same Sea (2018)
작품 소개
화면을 가득 채운 것은 하나의 바다가 아니라, 끊임없이 달라지는 수면과 하늘의 기류다. 화면을 가로지르는 수평선은 얇게만 암시될 뿐, 터쿼이즈와 딥 블루, 바이올렛이 뒤섞인 바다는 아래에서부터 천천히 밀려 올라오고, 위쪽에서는 사파이어 블루와 코발트 블루, 연한 아이보리 톤의 하늘이 거친 붓질로 뒤엉키며 내려온다. 두 영역은 분명히 나뉘어 있는 듯 보이지만, 경계 부근에서는 물감의 색과 방향이 서로 스며들어, 어디까지가 바다이고 어디부터가 하늘인지 모호해진다.
아크릴 물감을 짧고 빠른 스트로크로 반복해 올린 표면은, 가까이 다가갈수록 파도와 구름이 아닌 손의 리듬으로 먼저 읽힌다. 수평으로 스치듯 지나가는 붓질과 대각선으로 치고 올라가는 붓질이 겹겹이 교차하면서, 고정된 풍경이라기보다 순간순간 달라지는 빛의 속도를 포착하려는 시도처럼 느껴진다. 에메랄드에 가까운 밝은 그린과 깊은 인디고, 거의 흰색에 가까운 하늘빛이 같은 자리에 포개져 있어, 한 번 지나간 선택 위에 다시 다른 기분이 덧칠된 시간의 흔적이 남는다.
한 걸음 물러서면 개별적인 붓질과 색의 파편들은 더 이상 분리되지 않고, 잔잔한 듯 끊임없이 진동하는 수면과, 금방이라도 형태를 바꿀 것 같은 하늘의 장면으로 합쳐진다. 제목이 말하듯 이 바다는 단 한 번도 같은 모습으로 반복되지 않으며, 관람자는 화면 앞에서 자신이 기억하는 바다의 날씨와 마음의 상태를 자연스럽게 겹쳐 보게 된다. 멀리서 천천히 일렁이는 색의 흐름을 따라가다 보면, 어느새 풍경을 바라보는 시선이 아니라, 매 순간 달라지는 하나의 내면의 파도 속에 잠시 서 있는 듯한 감각과 마주하게 된다.
여러개의 바다 연작을 통해 세상에 같은 것은 존재하지 않는다는 명제를 시각적으로 보여주고 싶었다.
같은 바다라는 것은 없다
살바토르 문디 Salvator Mundi (2017)
작품 소개
강렬한 레드가 화면 전체를 뒤덮고, 그 위에 선 인물은 특정 종교의 성인이라기보다, 여러 신화와 상징이 한 몸 안에 겹쳐진 가상의 구세주에 가깝다. 노란 얼굴과 초록빛 몸, 짙은 남색의 윤곽이 뒤섞인 이 인물은 익숙한 아이콘의 권위를 빌리면서도, 동시에 장난스럽고 낯선 캐릭터로 재탄생한다. 정면을 향한 시선과 미묘한 미소, 이마의 원형 표식은 우리를 향해 열려 있지만, 주변을 떠다니는 기호들과 붉은 배경의 압도적인 밀도 때문에, 쉽게 읽히지 않는 다층의 정체성을 암시한다.
아크릴 특유의 평평하면서도 선명한 색면 위에, 거칠고 불균일한 붓질이 겹쳐져 있다. 몸의 내부는 초록, 남색, 옐로가 얇게 겹쳐지며 반투명한 장기나 에너지의 흐름을 떠올리게 하고, 가슴과 복부를 가로지르는 점과 격자 무늬는 문신이자 도상화된 회로처럼 보인다. 팔에는 숫자가 새겨지고, 가슴의 검은 원과 배의 원형 문양은 마치 게임의 아이콘이나 디지털 인터페이스를 옮겨온 것처럼, 전통적인 성화의 상징 체계를 가볍게 비틀어 놓는다. 이 인물은 더 이상 초월적 존재만이 아니라, 현대의 기호들 속에서 재조합된 하나의 아바타처럼 떠오른다.
왼손에 올려진 구조물에서는 파란 기둥이 위로 솟구치고, 그 위에 얹힌 흰 건축물은 신전이자 데이터 서버, 혹은 제단처럼 두루 읽힌다. 화면 오른편에는 별, 왕관, 기하학적 도형, 성별 기호, 심장을 안은 새 같은 이미지들이 흩어져, 이 인물의 주변을 떠도는 생각과 믿음의 파편을 이루며 공전한다. 아래쪽의 무너지는 탑과 새 떼, 작은 파동 모양의 패턴들은 세계의 붕괴와 재구성이 동시에 진행 중임을 암시하고, 이 붉은 장 안에서 구세주는 확고한 답을 제시하기보다, 혼란스러운 상징들 사이를 가볍게 가로지르는 하나의 통로로 남는다.
작품 앞에 서 있으면, 관람자는 이 인물을 숭배의 대상으로 바라볼지, 동시대를 살아가는 또 다른 자화상으로 받아들일지 자연스럽게 갈팡질팡하게 된다. 붉은 배경의 뜨거운 진동과, 몸 안에 켜켜이 쌓인 색의 흔적을 따라가다 보면, 구원이라는 말이 거창한 약속이 아니라, 수많은 기호와 이야기 속에서 잠시 균형을 찾는 상태에 더 가깝게 느껴진다. 이 낯선 구세주의 눈을 마주하는 동안, 각자가 믿고 있는 세계의 구조와, 그 안에서 스스로에게 허락한 작은 구원의 형상을 조용히 떠올려 보게 된다.
말세의 구세주(재림 예수/미륵불/정도령)
살바토르 문디
세라핌 Seraphim (2017)
작품 소개
검은 밤을 배경으로 선 인물은 하나의 천사가 아니라, 여러 전통과 상상력이 겹쳐진 다층적인 존재에 가깝다. 화면 중앙의 얼굴은 놀랄 만큼 인간적이지만, 그 둘레를 감싸고 있는 소·사자·양의 머리는 고전적인 상징 체계를 불러오며, 이 인물이 단일한 정체성이 아니라 수많은 성격과 역할을 품은 집합체임을 드러낸다. 머리 위의 새와 뱀, 사방으로 번지는 눈 모양의 패턴은 초월적 감시와 내면의 감각이 동시에 확장되는 상태를 시각화하고, 형형색색의 날개는 이 존재가 어디에도 속하지 않은 중간 지대, 인간과 신, 동물과 영체 사이를 오가는 매개자처럼 보이게 한다.
아크릴 특유의 선명한 형광색은 이 형상을 현실에서 한 발 비켜선, 거의 환각에 가까운 장면으로 밀어 올린다. 초록과 오렌지, 옐로가 번갈아 타오르는 날개와 가슴의 깃털은 단순한 장식이 아니라, 안쪽에서 밖으로 뿜어져 나오는 에너지의 결을 따라 배치된 듯 보인다. 가슴 중앙의 붉은 심장은 이 존재의 중심이 감정과 생명력에 있음을 암시하고, 그 주변을 둘러싼 눈들은 마치 감정 하나하나가 또 다른 시선이 되어 세상을 바라보고 있는 것처럼, 내면과 외부 세계가 뒤엉킨 지각의 구조를 드러낸다. 두텁게 겹쳐진 붓질과 거친 가장자리는 이 신성한 형상이 완결된 상징이라기보다, 계속해서 흔들리고 갱신되는 감정의 초상에 가깝다는 인상을 남긴다.
화면 상단의 뱀과 탑, 빛을 흩뿌리는 구조물은 이 인물이 속한 세계의 스케일을 넓힌다. 뱀의 몸통을 따라 반복되는 눈들은 끝없는 감시와 순환을, 오른쪽 위에 떠 있는 황금빛 구조물은 하늘의 도시이자 데이터의 집적소처럼 보이며, 영적 체험과 현대적 상상력이 한 화면 안에서 뒤섞이는 지점을 만든다. 이 존재는 특정 종교의 교리를 대변하기보다는, 우리가 알고 있는 모든 신화와 이미지, 개인적인 믿음의 파편들이 한 번에 응축된 하나의 형상으로 서 있다.
작품 앞에 서면, 관람자는 이 형상을 숭배의 대상으로 바라볼지, 자신의 내면에서 솟아오른 감정과 상처, 소망이 뒤섞인 자화상으로 받아들일지 자연스럽게 흔들리게 된다. 검은 배경 속에서 스스로 빛을 내는 듯한 색의 떨림을 따라가다 보면, ‘세라핌’이라는 이름이 먼 하늘의 존재를 가리키기보다, 각자 마음속 어딘가에서 조용히 타오르고 있는 경계 너머의 자아를 가리키는 또 하나의 이름처럼 느껴진다. 이 낯선 천사의 눈과 마주하는 동안, 관람자는 자신이 믿어 온 세계의 구조와, 그 안에서 지키고 싶은 가장 작은 빛 하나를 천천히 떠올려 보게 된다.
천사라는 미스테리한 존재를 시각화한 작품이다.
세라핌
새 예루살렘 성 New Jerusalem (2017)
작품 소개
검은 밤을 가득 채운 화면 한가운데, 계단식 구조를 가진 푸른 탑이 떠 있다. 탑의 아래로는 물줄기가 폭포처럼 떨어져 둥근 호수를 만들고, 그 가장자리를 따라 초록의 땅이 둥글게 감싸고 있다. 이 중심부는 하나의 도시이자 성전, 동시에 하늘에서 내려온 데이터 허브처럼 보이며, 땅 위에 있으면서도 중력에서 살짝 벗어난 상태로 떠 있다. 탑의 파란색과 물의 라이트 블루가 만들어내는 차가운 빛은, 실제 풍경이라기보다 머릿속에 그려진 이상향의 구조도를 보는 듯한 인상을 준다.
주변의 세계는 이 중심을 둘러싼 수많은 상징과 생명체들로 채워져 있다. 사방에 떠 있는 작은 천사 형상들은 몸보다 크게 부풀어 오른 날개와 형광색 리본 같은 형태로 그려져, 전통적인 수호천사라기보다, 이 세계를 둘러싼 신경 말단이나 신호등처럼 보인다. 화면 상단의 겹쳐진 원과 물고기, 소용돌이 은하 모양은 서로 다른 차원의 시간과 믿음, 우주적 사건들이 한 하늘 아래 겹쳐져 있음을 암시하고, 왼쪽의 별 모양 도형과 오른쪽의 십자별은 오래된 종교 기호와 현대의 그래픽 아이콘이 뒤섞인 혼합 언어처럼 작동한다.
하단으로 내려가면, 물길을 따라 연꽃과 빛나는 식물들이 피어 있고, 그 아래로는 작은 집들이 빽빽이 들어선 도시가 어렴풋이 드러난다. 도시 위로 솟은 회오리 기둥은 하늘의 탑과 땅을 연결하는 안테나이자 제단처럼 보이며, 무지개형 아치와 파란 산은 이 세계가 완전히 파괴되거나 완전히 구원되기 직전의, 불안하지만 아름다운 경계 상태에 놓여 있음을 말해 준다. 아크릴 물감 특유의 두텁고 거친 붓질은 이 풍경을 정교하게 설계된 도면이 아니라, 끊임없이 수정되고 다시 그려지는 상상 속 도시의 초상으로 만든다.
이 장면 앞에 서면, 관람자는 ‘새로운 예루살렘’을 먼 미래의 이상향으로 볼 수도, 이미 마음속 어딘가에 존재하는 내면의 도시로 느낄 수도 있다. 검은 밤을 배경으로 스스로 빛을 내는 듯한 형광색의 떨림을 따라가다 보면, 하늘에서 내려오는 물줄기와 땅에서 솟는 기둥 사이 어딘가에, 자신이 서 있는 자리의 좌표를 조용히 대입해 보게 된다. 이 낯선 도시를 바라보는 동안, 우리가 믿어 온 종교적 이미지와 개인적인 소망, 그리고 아직 말로 다 설명되지 않은 미래의 풍경이 한 화면 안에서 겹쳐지는 순간과 마주하게 된다.
동서양 종교의 교리를 믹스하여 미래의 풍경을 상상해 보았다.
새 예루살렘 성
아마게돈 Armageddon (2017)
작품 소개
검은 밤 대신 황금빛으로 들끓는 하늘 아래, 화면은 마치 마지막 날의 풍경을 한 번에 압축해 펼쳐 놓은 지도처럼 보인다. 중심의 푸른 연못은 주변의 혼란과는 다른 시간대를 품고 있다. 형광에 가까운 블루 위로 연꽃이 피어나고, 작은 새와 물고기들이 유영하며, 아직 사라지지 않은 생명의 리듬을 보여 준다. 연못 가장자리의 짙은 초록 띠는 이 푸른 원을 간신히 지켜내는 방어선처럼 둘러서 있고, 그 바깥으로 갈수록 색은 탁해지고 형태는 거칠어지며, 세계가 균열을 향해 기울어 가는 기운이 짙어진다.
왼편 아래에서부터 화면을 가로지르는 번개 모양의 노란 균열은 대지와 시간을 동시에 가르며, 그 아래로 흩뿌려진 검은 씨앗과 뱀의 형상은 이미 시작된 붕괴와 오염을 암시한다. 삼각형의 붉은 구조물과 타오르는 기둥, 검게 일그러진 숲은 더 이상 되돌릴 수 없는 지점에 도달한 문명의 잔해처럼 보인다. 반대편 오른쪽에는 작은 집들이 큐브처럼 쌓여 있고, 그 위로 불타는 말과 뒤엉킨 인물의 형상이 떠올라, 땅 위의 삶 역시 안전하지 않다는 사실을 드러낸다. 이 모든 요소는 선과 색의 정확한 묘사보다는, 아크릴 물감이 남기는 두터운 흔적과 거친 터치를 통해 감정의 속도와 공기의 온도로 먼저 다가온다.
하늘은 이 장면을 내려다보는 심판의 공간이자, 아직 끝나지 않은 가능성이 스며 있는 층위로 그려진다. 소용돌이치는 태양, 떨어지는 검은 형상들, 붉은 새와 흰 새가 뒤섞인 무리는 재앙과 구원의 조각들이 동시에 하강하는 장면처럼 읽힌다. 오른쪽 위의 쌍무지개와 작은 배는 오래된 홍수의 신화를 떠올리게 하지만, 그 색은 지나치게 선명하고 인공적이어서, 전통적인 약속이라기보다 불안정한 임시 피난처에 가깝게 느껴진다. 화면 곳곳에 숨어 있는 거북, 꽃, 빛나는 식물과 하얀 존재들은 이 세계가 완전히 끝나 버리기에는 아직 남아 있는 작은 증언들처럼, 마지막까지 저항하는 생명과 감각의 잔광을 품고 있다.
이 이미지 앞에 서면, ‘아마겟돈’은 거대한 전쟁의 서사가 아니라, 이미 균열이 난 세계를 바라보는 개인의 감정 지도처럼 다가온다. 관람자는 푸른 연못의 고요와 황금빛 하늘의 소란, 땅을 가르는 노란 번개 사이를 오가며, 자신이 어느 쪽의 경계에 서 있는지 조용히 가늠하게 된다. 끝과 시작, 파괴와 재생이 한 화면 안에서 동시에 발화되는 이 풍경 속에서, 마지막 장면은 단번에 닫히는 문이 아니라, 여전히 여러 방향으로 열려 있는 선택의 갈림길처럼 남는다.
아마게돈은 요한계시록에 나오는, 선과 악의 최후의 전쟁터이다. 아마게돈은 이미 시작되었는지도 모른다.
아마게돈